Le geste esthétique est le signe primordial
Rencontre avec 'l'operae novae' de Davide Tedeschini.

de Davide Miceli

commissaire de l'exposition


L'art est une expérience visuelle. Maïeutique des pensées et des émotions, génératrice de gestes. En approchant d'une œuvre, un bouquet d'autres sens s'ouvre progressivement, qui s'activent inconsciemment et animent la racine humaine de la rencontre avec la beauté.
Il y a un moment de la rencontre entre le travail et le regard dans lequel l'attente se confond avec la réalité, puis se fusionne et génère d'innombrables interactions nouvelles.
Le premier possible est celui entre les formes archétypales présentes dans notre esprit et ce que l'artiste a imprimé sur la toile.
Une mémoire historique inscrite dans l'héritage inconscient de l'homme et le geste de l'artiste, acte humain qualifié par le désir de produire un signe.
Dans ce cadre, l'anthologie d'operae novae proposée par Davide Tedeschini est issue d'un dialogue sémantique entre le passé et le présent, entre la mémoire et l'actualité, entre l'inconscient et la conscience.
Expérimenter son travail, c'est prendre le risque d'un processus toujours actif de confrontation entre des formes dialectiques distantes et distinctes, mais toujours communicantes.
Le geste atavique, phénoménal et le noumonon enchâssés dans notre intelligibilité du monde.
Un geste esthétique qui plonge sa morphologie dans le signe primordial.
Parfois exprimé parfois voilé, médiatisé mais toujours instinctif. A la fois médité et immédiat. Méditée parce que l'esprit avec sa rapidité pense la contempler mais tout de suite parce que la main exerce sa créativité sans rencontrer la porosité de la toile et la viscosité de la couleur.
Ici, dans le tableau de Davide Tedeschini, le dialogue entre l'homme et la nature s'estompe, comme en Quercia, où le tronc d'une carcasse se dresse entre l'arbre, dont les côtes restent.
Ou comme dans le champ de maïs où des fléchettes primordiales plantées dans le sol peuvent être reliées aux tiges de grains robustes. Même là où le thème peut paraître présent, le geste est ancien, original (je regarderais aussi la métaphore du champ comme "lager" et la multitude comme "peuple" puisqu'après les génocides des années 30, il y a toujours ce triste héritage en Europe. et en Méditerranée: oiseaux / migrateurs, épis / fléchettes / permanence, etc.)
Un voyage contemporain dans le plus jeune âge de l'humanité, lorsque l'art a fait ses premiers pas. Montrer que le processus artistique en constante évolution n'oublie pas ces origines.
Le motif est inchangé. Laisse une trace, raconte, mets ta main sur la main et inspire ceux qui rencontrent ces traces.
Davide Tedeschini, artiste éclectique et surprenante, suit le chemin de l'art au fil du temps, avec un voyage qui va du corps à la nature, de l'homme à d'autres formes de vie sans jamais oublier l'alphabet des émotions que chacun de nous a écrit dès ses premiers pas sur ce monde.
La peinture est une réponse possible à deux des questions existentielles qui ont toujours accompagné l'humanité: qui sommes-nous? Où allons-nous?
Nous sommes les auteurs de ces signes, les mêmes peurs, les mêmes espoirs nous accompagnent. Nous nous dirigeons vers un avenir dont nous ne pouvons que faire des prévisions.
Nous n'avons pas de certitudes consolidées. Seulement des croyances. Dans une société très complexe, où la langue a élargi les horizons et rendu la communication plus difficile, la simplicité des signes artistiques de Davide Tedeschini semble pouvoir rassurer: traits universels, signes compréhensibles dans le Babel de l'hypercommunication.
Ils interrompent le flux, ils nous permettent d'avancer plus rapidement. Et entre-temps, ils induisent une réflexion rapide et peu évidente: savons-nous encore comment regarder?
La réponse est la question qui reste ouverte au choix de l'utilisateur.
L'art a une fonction esthétique et sociale.
La beauté et la communauté. Goût et rencontre. Partage, dialogue, reconnaissance. Activer des processus continus.
Le chemin est long et marqué par diverses étapes, par des choix continus, des occasions toujours possibles: vous avez besoin des yeux, de l'esprit et du cœur.
Après tout, à la fin de la journée, vous ne voulez que retourner dans votre propre abri rassurant et, comme dans Strada per casa, chaque détail nous ramène à notre refuge d'origine: hier, une grotte, aujourd'hui une maison où les œuvres d'art ils peuvent nous rappeler ce chemin.

La substance dans un monde chaotique

Le tableau de Davide Tedeschini

texte de Emanuela Muccigrosso

Historien d'art


La peinture de Davide Tedeschini représente une opportunité de faire face à l'art contemporain non seulement dans son produit final, à savoir la peinture, mais surtout dans sa manifestation d'expériences biographiques, dans la stratification au fil des ans. L'impact esthétique est si fort qu'une lecture immédiate pourrait donner une définition de «brutal», qui évoque les expériences typiques récentes d'Art Brut. Rappelez-vous la peinture "sauvage" et pour cela elle peut rappeler les courants de l'expressionnisme français et allemand, mais nous devons également inclure le groupe européen CO.BR.A parmi les influences, en particulier la figure et les œuvres de Jorn, dans lequel nous avons une totale liberté d'expression et des couleurs soulignées par la plénitude du trait. Enseignant de profession, il a également travaillé dans le journalisme et l'écriture, écrivant quelques essais sur l'actualité de l'environnement artistique. C'est peut-être dans ce cas que nous trouvons des clés dans l'interprétation de cette peinture difficiles à trouver dans les expériences picturales contemporaines riches en figuration. ou même le citationsnisme et le maniérisme antiquaire, qui apparaissent aux yeux des experts comme des produits du marché en ce qui concerne le tableau en question. C'est pourquoi, pour être honnête, ce tableau ne se comprend pas à la simple juxtaposition ou à la découverte de références à la peinture ou à l'art historisées, mais plus simplement, c'est quelque chose qui trouve son originalité intrinsèque pour le moment. Cependant, la juxtaposition du monde d'aujourd'hui avec celle de l'Europe des années 1930 ne convient pas à un artiste qui ne s'est jamais laissé séduire par les propositions de vente commerciale. Sur les vingt œuvres de 2018, quatorze sont d'énormes tables aux couleurs chaleureuses mais intenses et communicatives. Également caractérisé par des thèmes et des intentions représentatifs différents les uns des autres. Nous passons de la matière, à la violence coloriste peut-être d'Art Brut, au synthétisme jusqu'à l'abstrait. Tout se passe progressivement, sans effrayer l'observateur, comme pour recréer une nuance de son changement stylistique au fil des ans. Cela nous permet d'entrer dans sa vie quotidienne, dans son passé tourmenté et dans les paysages fortement marqués par de grands traits de couleur, comme dans le cas de "Village au fond de la vallée", ils montrent l'utilisation des mains pour répandre la couleur. Une couleur épaisse et dense qui acquiert un sens introspectif faisant référence à la mort et aux expériences du passé, dans la "Carcassa", dans laquelle se trouvent des os au premier plan et dans la pénombre deux figures sombres. Le trio "Nature morte aux chardons", "Travailler dans les champs" et "Ensemble de tables" représente à la place un ensemble chaotique d'éléments, en fait l'horror vacui de ce groupe. De la manie presque obsessionnelle à reproduire autant de formes que possible, nous passons à la synthèse presque totale de la forme et de la couleur de "Gabbiani", "Lattuga" et "Campi di grano". La synthèse de ces tableaux par rapport aux précédents affecte autant l'effet de voir en gros plan les éléments représentés, que si l'artiste peignait à la loupe. Il y a beaucoup d'éléments abstraits. Dans la "Maison au bord de la mer", nous n'avons que de brefs coups de pinceau qui ne nous ramènent qu'au titre du tableau dans les ombres, mais c'est dans les deux tableaux intitulés "Liberté" et "Europe" que l'abstraction peut émerger dans ses détails techniques. En regardant les deux œuvres, dont la caractéristique principale est la juxtaposition frénétique de taches de couleur denses, on ne peut manquer de mentionner les tout premiers débuts du succès de KandinskiJ. L'artiste romain a fait un voyage, un chemin qui l'a conduit à atteindre une frontière entre le figuratif et l'abstrait, avec une astuce particulière pour le minimalisme dans les trois énormes toiles qui constituent la force de l'ensemble . Nous le voyons plus souvent dans "Campo di grano" et "Gabbiani" que dans "Quercia", dans lequel le travail de synthèse des travaux de couleur se poursuit et nous donne un effet d'élargissement de la vision de l'objet en question. Cependant, l'utilisation bicolore du noir et du blanc est une contribution majeure de son style à l'évolution de son style. Il aborde Franz Kline qui peint en blanc et noir en soulignant l'abstraction de la ligne, sans se soucier de la forme, Keith Haring, qui dans l'art corporel en noir et blanc a donné un exemple représentatif du primitivisme technique. Mais ce sont les expressions contemporaines qui m'intéressent: lors de la Biennale de Venise 2017, les pavillons de l'Argentine, de l'Italie et de la Russie ont utilisé le blanc comme moyen d'expression fort et efficace. Le pavillon mexicain a plutôt créé une nouvelle langue grâce au contraste de ces deux nuances de base. Nous avons une forme, nous la percevons, nous la comprenons, mais elle est réduite à une extrême simplicité. Comme si nous devions observer la substance, l'essentialité des choses, des éléments, dans ce cas de la nature. Un retour à la primordialité de l'art. Le blanc de la toile

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