Den estetiska gesten är det primordiska tecknet

Ett möte med Davide Tedeschini nya verk.

av Davide Miceli

curator


Konst är en visuell upplevelse. Maieutics av ​​tankar och känslor, generativa av gester. Närmar sig ett konstverk, öppnar en bukett med andra sinnen gradvis upp, medvetet aktiverar och vitaliserar den mänskliga roten av mötet med skönhet. Det finns ett ögonblick om mötet mellan arbetet och blicken där förhoppningen förenar sig med verkligheten och därmed sammanfogar och genererar oändliga nya interaktioner. Den första möjliga är mellan de arketypiska formerna som finns i vårt sinne och vad konstnären har skrivit på duken. Ett historiskt minne inskrivet i människans omedvetna arv och konstnärens gest, människans handling kvalificerad av viljan att producera ett tecken. I denna ram placeras antologin av "operae novae" som föreslagits av Davide Tedeschini i en semantisk dialog mellan förflutna och presentera, mellan minnet och aktualiteten, mellan medvetslöshet och samvete. Att uppleva sitt arbete innebär att riskera en alltid aktiv process av konfrontation mellan avlägsna och distinkta men alltid kommunicerande dialektiska former. Den atavistiska, fenomenala gesten och den noumenala inbäddade i vår förståelse av världen. En estetisk gest som sänker sin morfologi till det primordiala tecknet. Ibland är det uttryckt, andra gånger är det förtäckt, förmedlat, men är alltid instinktivt. Omedelbart är det omtänkt och omedelbart. Det är Mediterade eftersom sinnet med sin hastighet föreställer sig att överväga det men omedelbart eftersom handen utövar sin kreativitet fritt genom att möta porositeten hos duken och färgens viskositet.

Här i Davide Tedeschinis målning blir dialogen mellan människan och naturen suddig som i Quercia där stammen av en slaktkropp står mellan trädet, varav revbenen förblir.

Eller som i kornfältet där primordiala pilar som planterats i jorden kan förenas med de robusta kornstalkarna. Även där temat kan tyckas vara närvarande, är gesten gammal, original (jag skulle också titta på fältets metafor som "lager" och folkmassan som "folk", sedan efter 30-talets folkmord finns det alltid detta sorgliga arv i Europa och i Medelhavet: fåglar / invandrare, spikar / dart / permanentitet etc ... ed)

En samtida resa till mänsklighetens yngsta tid, när konsten tog sina första steg. Visar hur den ständigt utvecklade konstnärliga processen inte glömmer dessa ursprung.

Motivet är oförändrat. Lämna ett märke, berätta, få dina händer smutsiga och inspirera dem som möter dessa spår.

En närmare titt Davide Tedeschini, en eklektisk och överraskande konstnär, följer konstens väg över tid, med en resa som går från kropp till natur, från man till andra former av levande utan att någonsin glömma känslometallet att var och en av oss har skrivit in från hans första steg på denna värld.

Målning är ett möjligt svar på två av de existentiella frågorna som alltid har följt mänskligheten: vem är vi? Vart ska vi

Vi är författarna till dessa tecken, samma rädslor, samma förhoppningar, följa med oss. Vi går mot en framtid som vi bara kan göra förutsägelser.

Vi har inga konsoliderade säkerheter. Endast övertygelser. I ett samhälle med hög komplexitet, där språk har ökat horisonter och kommunikation har blivit svårare, verkar enkelheten hos Davide Tedeschinis tecken på att kunna försäkra sig om: universella egenskaper, begripliga tecken i Babel för hyperkommunikation.

De avbryter flödet, de tillåter oss att gå framåt snabbare. Och under tiden framkallar de en snabb och osynlig reflektion: vet vi fortfarande hur man ska titta?

Svaret är frågan som är öppen för användarens val.

Konst har en estetisk och social funktion.

Skönhet och samhället. Smaka och möta. Delning, dialog, erkännande. Aktivera kontinuerliga processer.

Banan är lång och markerad av olika steg, genom kontinuerliga val, alltid möjliga tillfällen: du behöver ögon, sinne och hjärta.

Varje gång dagen slutar vill du bara gå tillbaka till ditt eget lugna skydd och, som i Strada per casa, varje detalj, tar varje tecken oss tillbaka till vår ursprungliga tillflykt: igår en grotta, idag ett hus där konstverk de kan påminna oss om den här vägen

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La sostanza in un mondo caotico

La pittura di Davide Tedeschini

testo di Emanuela Muccigrosso

Storico dell'arte


La pittura di Davide Tedeschini rappresenta un'occasione per affrontare l'arte contemporanea non solo nel suo prodotto finale, ossia il quadro, ma soprattutto nel suo palesarsi delle esperienze biografiche, nello stratificarsi nel corso degli anni. Tanto è forte l'impatto estetico che ad una lettura immediata potremmo dare una definizione di 'brutale', che evoca le esperienze recenti tipiche dell'Art Brut. Ricorda la pittura 'selvaggia' e per questo può far venire in mente le correnti dell'espressionismo francese e tedesco, ma bisogna annettere tra le influenze anche il gruppo europeo CO.BR.A, in modo particolare la figura e le opere di Jorn, in cui abbiamo una totale libertà espressiva e colori enfatizzati dalla corposità della pennellata. Di professione insegnante, si è occupato anche di giornalismo e scrittura, scrivendo alcuni saggi sull'attualità dell'ambiente artistico e forse è in questo caso che troviamo alcune chiavi di lettura di questa pittura che difficilmente trova riferimenti in quelle esperienze pittoriche contemporanee ricche di figurazione o addirittura citazionismo e manierismo antiquariale, che all'occhio esperto appaiono come prodotti di mercato rispetto alla pittura in questione. Ecco perché ad essere onesti, questa pittura non si può comprendere con il semplice accostamento o con la scoperta di riferimenti della pittura o dell'arte ormai storicizzata ma più semplicemente, è qualcosa che trova al momento una sua originalità intrinseca. L'accostamento del mondo di oggi a quello dell'Europa anni '30 non è però pertinente per un artista che non si è mai lasciato sedurre dalle proposte di vendita commerciale. Della ventina di opere del 2018, quattordici sono tavole enormi, dai colori caldi ma intensi, comunicativi. Caratterizzati anche da temi e intenzioni rappresentative differenti gli uni dagli altri. Si passa dal materico, alla violenza coloristica forse dell'Art Brut, al sintetismo fino ad arrivare all'astratto. Il tutto accade gradualmente, senza spaventare l'osservatore, quasi a ricreare una sfumatura del suo cambiamento stilistico nel corso degli anni. Ci permette di entrare nella sua quotidianità, nel suo tormentato passato e nei paesaggi pesantemente accennati da grossi tratti di colore, come nel caso di "Villaggio in fondo alla valle", mostrano l'uso delle mani nello stendere il colore. Un colore spesso e denso che acquista significato introspettivo riferenti alla morte e ai vissuti del passato, nella "Carcassa", in cui sono presenti ossa in primo piano e nella penombra due scure figure. Il trio "Natura morta con cardi", "Lavoro nei campi" e "Tavola imbandita" rappresenta invece un insieme caotico di elementi, di fatto l'Horror vacui di questo gruppo. Dalla mania quasi ossessiva di riprodurre quante più forme possibili, si passa alla sintetizzazione quasi totale sia della forma che del colore di "Gabbiani", "Lattuga" e "Campi di grano". Il sintetismo di queste tavole rispetto alle precedenti colpisce tanto quanto l'effetto di vista ravvicinata degli elementi raffigurati, come se l'artista dipingesse attraverso una lente d'ingrandimento. Molteplici sono gli elementi astratti. Nella "Casa in riva al mare" non abbiamo che brevi pennellate che solo nelle tonalità ci riportano al titolo del dipinto, ma è nelle due tavole intitolate "Libertà" e "Europa" l'astrattismo riesce ad emergere nei suoi tecnicismi. Guardando le due opere, la cui caratteristica principale è l'accostamento frenetico di macchie dense di colore, non si può non ricordare i primissimi esordi del successo di KandinskiJ. L'artista romano ha fatto un percorso, un percorso che lo ha portato al raggiungimento di una linea di confine tra il figurativo e l'astratto, con un particolare accorgimento al minimalismo nelle enormi tre tele che costituiscono il punto di forza di tutta la collezione. Lo vediamo più in "Campo di grano" e "Gabbiani" piuttosto che in "Quercia", in cui continua il lavoro di sintesi delle opere a colori e ci regala un effetto di ulteriore ampliamento di visione dell' oggetto in questione. Tuttavia un maggiore contributo evolutivo del suo stile è l'uso bicromatico del bianco e nero. Si avvicina a Franz Kline che dipinge il bianco e il nero dando risalto all'astrazione della linea, disinteressandosi alla forma, a Keith Haring, che nella body art black & white ha dato esempio rappresentativo di primitivismo tecnico. Ma sono le espressioni contemporanee che a me interessano: nella Biennale di Venezia del 2017, i padiglioni dell'Argentina, dell'Italia, della Russia, hanno utilizzato il bianco come forma di espressione forte ed efficace. Il padiglione del Messico invece attraverso il contrasto di queste due basiche tonalità ha creato un nuovo linguaggio. Abbiamo una forma, la percepiamo, la capiamo, ma è ridotta all'estrema essenzialità. Come se dovessimo osservare la sostanza, l'essenzialità delle cose, degli elementi, in questo caso della natura. Un ritorno alla primordialità dell'arte. Il bianco della tela è il supporto contemporaneo alternativo alla parete della caverna, il nero è la materia attraverso la quale imprimere un'idea di ciò che arriva alla mente dell'artista. Ed è proprio la pittura primordiale l'obiettivo primario di Tedeschini. L'arrivo alla totale astrazione può essere tradotto nella ricerca dell'infantile e spontaneo tratto pittorico. Il pittore desidera recuperare l'immediata comunicabilità della semplicità terminando un percorso che lo ha portato ad ispirarsi molto spesso alle avanguardie novecentesche, puntando in concretamente all'astrazione, ma al tempo stesso lo fa in modo personale e originale.

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